Роль музыкальной культуры в развитии личности

Одна из самых актуальных и «больших» проблем, стоящих перед современным обществом - угроза духовного оскудения личности, опасность утраты нравственных ориентиров. Поэтому, нашему воспитанию необходим поворот к жизненно-важным проблемам современного общества, обеспечение нравственного воспитания, противостояние бездуховности и потребительству.
Решающую роль в целенаправленном формировании культуры личности играет художественная деятельность, необходимая не только профессионалам, но и всем людям без исключения, ибо она помогает формировать активное, творческое отношение человека к труду, к жизни вообще.
Современные психологи говорят о том, что мы должны учить детей быть творческими личностями, способными к восприятию нового, умению импровизировать. Обществу сегодня необходим человек, который чувствует себя достаточно сильным и отважным, чтобы смело входить в любую современную ситуацию, уметь решать проблемы творчески, без предварительной подготовки. Во времена быстрых перемен, подобных нынешнему, дети нуждаются в развитии гибкости и независимости мышления, вере в свои силы и приверженности идеям, готовности пробовать и ошибаться, приспосабливаться и менять подходы к решению проблем, пока удовлетворительное решение не будет найдено. Для достижения подобных целей одно из лучших средств - это музыкально-художественное творчество ребенка.
Наблюдая за детьми, обучающимися в музыкальной и художественной школах, и сравнивая их с обычными учениками общеобразовательной школы, можно заметить, что дети, обучающиеся в ДМШ и ДХШ, более развиты во всех отношениях. Ведь в процессе всестороннего развития личности искусству принадлежит ответственейшая роль. Музыкальные и художественные занятия оказывают влияние на формирование эстетического вкуса. Они способствуют становлению характера, норм поведения, обогащают внутренний мир человека яркими переживаниями. Эти занятия не что иное, как познавательный многогранный процесс, который развивает художественный вкус детей, воспитывает любовь к искусству - формирует нравственные качества личности и эстетическое отношение к окружающему.

В широком смысле эстетическое воспитание – это формирование духовных потребностей человека, его нравственных представлений, интеллекта, развития идейно-эмоционального восприятия и эстетической оценки жизненных явлений. В таком понимании – это воспитание Человека.
Чрезвычайно важно, чтобы воздействие искусства начиналось как можно раньше, в детстве. Воспитывая с ранних лет способность глубоко чувствовать и понимать искусство, любовь к нему сохраняется затем на всю жизнь, влияет на формирование эстетических чувств и вкусов человека.
Я работаю руководителем вокально-инструментального ансамбля в МОБУ Гимназия №14 г. Белорецка.
Состояние вокально-инструментальных ансамблей в городе оставляет желать лучшего. Чтобы понять это, достаточно прийти на любой концерт в Городской дворец культуры (в нем проходят около 200 различных мероприятий в год) и подсчитать количество номеров, исполняемых с участием ВИА. Средний результат – ноль. Почему же? Сейчас появилась возможность заменить весь ансамбль одним-двумя синтезаторами или просто фонограммой. Но те, кто был хоть раз на концерте живой музыки с «живыми» инструментами, с музыкантами сразу же слышат отличие фонограммы от живой музыки. А в прежние времена во Дворце одновременно существовали три ВИА, которые играли разную музыку, и на концерты каждой из групп собирался полный зал.
На прошедшем в Белорецке отборочном туре Республиканском фестиваля молодежной музыки в 2006 г из 39 заявленных команд только 4 (!) были группы или ВИА. Остальные – рэп-группы. Это и понятно. Гораздо проще взять готовую фонограмму и ритмично пропеть (или прочитать?) текст под нее. Не нужно искать музыкантов или самому уметь играть на инструменте, учить партии, репетировать, совершенствовать технику игры, тратить деньги на приобретение инструментов...
Но в 2006 г. Центром внешкольной работы был устроен Фестиваль электронной музыки, в котором принимали участие как солисты на различных инструментах (синтезаторы, гитары...), так и группы. Групп было шесть. Это были простые ребята из разных школ, которые сами покупают себе инструменты, сами находят помещение для репетиций, сами репетируют. И так как у них нет грамотного руководителя, то их творчество было на уровне дворовой самодеятельности.

В 2007 г на II Фестивале электроакустической музыки групп было уже девять. Повысился уровень музыкантов, появились новые группы, появилась новые молодые люди, которые хотят играть музыку! Правда, репертуар оставляет желать лучшего. Практически все эти группы играют в стилях «металл», «тяжелый рок», «панк», «панк-рок». А вследствие не очень высокого качества игры, творчество многих групп часто воспринимается как громкий шум, не имеющий никакого отношения к музыке.
В этом году на фестивале групп было уже 11. Это, надеюсь, связано с пониманием, что Музыка – это живая музыка, и такое мнение не у меня одного.
С давних времен философы, психологи, искусствоведы, в том числе и музыканты, отмечают глубокую связь между духовностью и художественным творчеством и считают, что художественно-эстетическая деятельность служит своего рода двигателем духовного обогащения.
Педагог Г. Нейгауз подчеркивает, что в иерархии целевых задач подготовки исполнителя на первом месте должно быть обозначено слово «музыкант», а на втором месте «пианист» или «гитарист». Но, на мой взгляд, еще до слова «музыкант» необходимо поставить слово «человек», то есть указать на важное значение воспитания человеческих качеств, формирования, шире говоря, личности музыканта не отвлеченно, а именно в процессе его обучения на каком-либо инструменте. Это особенно актуально в наши дни для развития культуры. Тем более что, как свидетельствует практика, чем человек человечнее, тем он становится музыкальнее и наоборот.
На пороге нового века особенно стал ощутим разрыв между научно-техническим прогрессом и состоянием духовного развития, внутренней культурой людей, уровнем их социальной и нравственной зрелости. Путь выхода из кризиса педагоги и ученые видят в изменении самого человека, его духовного потенциала, в гуманизации всех сфер жизни и деятельности людей.
В современном мире необходимо формировать творчески активную личность, способную к преобразованию мира и одним из лучших средств является музыкально-художественное творчество ребенка.

Опыт моей работы позволяет считать, что развитие эстетического отношения к собственной деятельности у детей вполне осуществимо и действительно является движущей силой формирования развития художественно-творческих способностей учеников. Этот опыт позволил выделить основные психолого-педагогические условия достижения у детей эстетического отношения к деятельности и творческих способностей – приобщение ребенка на доступном его возрасту уровне к решению полноценных творческих задач, то есть к эстетическому преобразованию собственного жизненного опыта, благодаря чему он открывает в самом себе потенциальную способность эстетического отношения ко всему окружающему.
Самое важное в музыкальном образовании ребенка – установка на формирование музыкального чувства, способность творить, импровизировать.
Игра на музыкальном инструменте обогащает музыкальные впечатления детей, развивает их музыкальные способности: ладовое чувство, музыкально-слуховые представления и чувства ритма. Самое главное, что ребенок посредством игры на музыкальном инструменте самовыражается.
Но это требует терпения, усидчивости, чтобы развивать необходимые исполнительские, технические навыки. Следовательно, игра на музыкальных инструментах развивает волю и дисциплину – ведь заниматься на инструменте надо постоянно, регулярно и без перерывов, зимой и летом, в будни и праздники, стремление к достижению цели, воображения, помогает формировать навыки активного восприятия музыки, обогащает музыкальный опыт детей, прививает им знания, что в целом является важной предпосылкой обогащения музыкальной культурой детей. В процессе игры дети узнают, постигают, осваивают закономерности музыкального языка, учатся осознавать и воспроизводить музыку, приобщаются к знаниям нотной грамоты. Все это расширяет кругозор детей, дает возможность значительно повысить уровень исполнительских навыков, развить музыкальные способности.
Музыка и язык – братья-близнецы. Они родились друг за другом: сначала музыка, потом словесная речь. Играющие и поющие люди лучше говорят и пишут, легче запоминают иностранные слова, быстрее усваивают грамматику. Также музыкальные занятия развивают навыки общения.
Музыка структурна и иерархична: более крупные сочинения распадаются на менее крупные части, которые в свою очередь делятся на небольшие темы и фрагменты, состоящие из мелких фраз и мотивов. Стихийное понимание музыкальной иерархии облегчает понимание компьютера, тоже иерархичного и структурного. Ученые доказали, что дети, занимающиеся музыкой, обходят своих сверстников по уровню структурного мышления. Не случайно фирма Microsoft предпочитает сотрудников с музыкальным образованием.

Занимаясь музыкой, ребенок развивает математические способности. Он пространственно мыслит, попадая на нужные клавиши или струны, манипулирует абстрактными звуковыми фигурами, запоминает нотный текст. Не случайно Альберт Эйнштейн играл на скрипке, а профессора-физики и профессора-математики Оксфорда составляют 70 % членов университетского музыкального клуба.
Музыкальным прошлым отмечены многие знаменитости: Агата Кристи свой первый рассказ написала о том, почему ей так трудно играть на фортепиано на сцене, а Билл Клинтон уверен, что без саксофона никогда не стал бы президентом.
Совершенствование работы, связанной с реализацией идей эстетического воспитания – залог успешного решения важнейшей сегодня задачи развития творческих сил подрастающего поколения, способного воспринимать и эмоционально переживать, оценивать и создавать красоту, гармонию в жизненной материальной среде, во всем укладе жизни. При таком понимании эстетическое воспитание может стать значительной позитивной общественной силой, эффективным средством пробуждения и развития истинно человеческих качеств.

Влияние музыкальных занятий на развитие ребенка

Музыкальные занятия оказывают влияние на формирование эстетического вкуса. Они способствуют становлению характера, норм поведения, обогащают внутренний мир человека яркими переживаниями. Музыкальные занятия не что иное, как познавательный многогранный процесс, который развивает художественный вкус детей, воспитывает любовь к музыкальному искусству - формирует нравственные качества личности и эстетическое отношение к окружающему.
В широком смысле музыкальное воспитание – это формирование духовных потребностей человека, его нравственных представлений, интеллекта, развития идейно-эмоционального восприятия и эстетической оценки жизненных явлений. В таком понимании – это воспитание Человека.
В более узком смысле музыкальное воспитание – это развитие способности к восприятию музыки. Оно осуществляется в различных формах музыкальной деятельности, которые ставят своей целью развитие музыкальных способностей человека, воспитание эмоциональной отзывчивости к музыке, понимание и глубокое переживание его содержания. В таком понимании музыкальное воспитание – это формирование музыкальной культуры человека.
Проблема творчества в литературе трактуется широко и неоднозначно. Например, что считать творчеством - спонтанный, непроизвольный процесс или продуманное конструирование модели? Известный отечественный психолог Л. С. Выготский писал: "Творческой деятельностью мы называем такую деятельность человека, которая создает нечто новое, все равно будет ли это созданное творческой деятельностью какой-нибудь вещью внешнего мира или известным построением ума или чувства, живущим и обнаруживающимся только в самом человеке". Правомерно поэтому считать творчеством всякий уход от привычного, шаблонного, трафаретного.

Можно ли творчеством заниматься всем или это дело сугубо избранных? "В обычном представлении творчество есть удел немногих избранных людей, гениев, талантов, которые создали великие художественные произведения, сделали большие научные открытия или изобрели какие-нибудь усовершенствования в области техники. Творчество на деле существует не только там, где оно создает великие исторические произведения, но и везде там, где человек воображает, комбинирует, изменяет и создает что-либо новое, какой бы крупицей ни казалось это новое по сравнению с созданиями гениев… Конечно, высшие выражения творчества до сих пор доступны только немногим избранным гениям человечества, но в каждодневной окружающей нас жизни творчество есть необходимое условие существования, и все, что выходит за пределы рутины и в чем заключена йота нового, обязано своим происхождением творческому процессу человека".
Если понимать творчество таким образом, то можно утверждать, что творческие процессы начинают обнаруживаться с полной силой уже в раннем детстве. Для ребенка качественно новым может быть его личный путь, повторяющий в какой-то мере путь, пройденный композитором, художником и т.д. Б.В. Асафьев писал, что "по существу всякое творческое изобретение есть комбинирование по-новому прежних данных", а творческий дар детей - это способность изображения и комбинирования материала. Поэтому один из важнейших вопросов детской психологии и педагогики - вопрос о развитии творческих способностей детей.
Современные западные психологи говорят о том, что мы должны учить детей быть творческими личностями, способными к восприятию новизны, умению импровизировать.
Обществу сегодня необходим человек, который чувствует себя достаточно сильным и отважным, чтобы смело входить в любую современную ситуацию, уметь решать проблемы творчески, без предварительной подготовки. Во времена быстрых перемен, подобных нашему, дети нуждаются в развитии гибкости и независимости мышления, вере в свои силы и идеи, готовности пробовать и ошибаться, приспосабливаться и менять подходы, пока удовлетворительное решение не будет найдено. Для достижения подобных целей одно из лучших средств - это музыкально-художественное творчество ребенка.
Осознание педагогом-инструменталистом воспитательной ценности развития детского творчества также является одним из необходимых условий для формирования личности ребенка. Умелое руководство творческим развитием ребенка может привести к формированию активной творческой личности, способной к преобразованию окружающего мира.

На пороге нового века особенно стал ощутим разрыв между научно-техническим прогрессом и состоянием духовного развития, внутренней культуры людей, уровнем их социальной и нравственной зрелости. Путь выхода из кризиса педагоги и ученые видят в изменении самого человека, его духовного потенциала, в гуманизации всех сфер жизни и деятельности людей.
В современном мире необходимо формировать творчески активную личность, способную к преобразованию мира и одним из лучших средств является музыкально-художественное творчество ребенка.
Обобщая опыт видных педагогов-музыкантов, а также на основе изучения теоретических источников, выделяются условия, способствующие развитию музыкальности детей на начальном этапе обучения.
Главным условием является требование преобладания в учебно-воспитательном процессе продуктивной деятельности, характеризующейся нахождением и закреплением новых идей, новых образов, новых способов действия.
Самое важное в музыкальном образовании ребенка – установка на формирование музыкального чувства, способность творить, импровизировать.

Игра на музыкальном инструменте обогащает музыкальные впечатления детей, развивает их музыкальные способности: ладовое чувство, музыкально-слуховые представления и чувства ритма. Самое главное, что ребенок посредством игры на музыкальном инструменте самовыражается.
Но это требует терпения, усидчивости, что бы развивать необходимые исполнительские, технические навыки. Следовательно, игра на музыкальных инструментах развивает волю, стремление к достижению цели, воображения, помогает формировать навыки активного восприятия музыки, обогащает музыкальный опыт детей, прививает им знания, что в целом является важной предпосылкой обогащения музыкальной культурой детей. В процессе игры дети узнают, постигают, осваивают закономерности музыкального языка, учатся осознавать и воспроизводить музыку, приобщаются к знаниям нотной грамоты. Все это расширяет кругозор детей, дает возможность значительно повысить уровень исполнительских навыков, развить музыкальные способности.
Педагог Г. Нейгауз подчеркивает, что в иерархии целевых задач подготовки исполнителя на первом месте должно быть обозначено слово «музыкант», а на втором месте «пианист» или «гитарист». Но, на мой взгляд, еще до слова «музыкант» необходимо поставить слово «человек», то есть указать на важное значение воспитания человеческих качеств, формирования, шире говоря, личности музыканта не отвлеченно, а именно в процессе его обучения на каком-либо инструменте. Это особенно актуально в наши дни для развития культуры. Тем более что, как свидетельствует практика, чем человек человечнее, тем он становится и музыкальнее.
Совершенствование работы, связанной с реализацией идей эстетического воспитания – залог успешного решения важнейшей сегодня задачи развития творческих сил подрастающего поколения, способного воспринимать и эмоционально переживать, оценивать и создавать красоту, гармонию в жизненной материальной среде, во всем укладе жизни. При таком понимании эстетическое воспитание может стать значительной позитивной общественной силой, эффективным средством пробуждения и развития истинно человеческих качеств.

Педагогические концепции развития основных умений при занятиях на музыкальных инструментах

Главная задача при обучении игре на том или ином музыкальном инструменте – воспитание не просто хорошего исполнителя или музыканта, художника, способного своим творчеством воздействовать на слушателя, заражать его своей эмоциональной, духовной и интеллектуальной энергетикой, а "непрерывное развитие человека - не узкого специалиста, а всего человека". На этих уроках речь вначале может идти скорее о разностороннем эстетическом и музыкальном воспитании, чем о специализированном обучении на каком-либо инструменте.
Важно то, что этот вид музыкального исполнительства не только обогащает музыкальные впечатления детей, развивает их музыкальные способности: ладовое чувство, музыкально-слуховые представления и чувства ритма. Ведь этот вид деятельности требует терпения, усидчивости, чтобы развивать необходимые исполнительские, технические навыки. Следственно игра на музыкальных инструментах развивает волю, стремление к достижению цели, дисциплину, ведь заниматься на инструменте надо постоянно, регулярно и без перерывов. Зимой и летом, в будни и в праздники. Почти с тем же упорством с каким чемпионы тренируются в спортзале и на катке. Но в отличие от героев спорта, играя на инструменте нельзя сломать ни шею, ни ногу, ни даже руку. Это воспитание характера без риска травмы!
Занимаясь музицированием, ребенок развивает математические способности. Он пространственно мыслит, попадая на нужные клавиши или струны, манипулирует абстрактными звуковыми фигурами, запоминая нотный текст. Не случайно Альберт Эйнштейн играл на скрипке, а профессора-физики и профессора-математики Оксфорда составляют 70% членов университетского музыкального клуба.
Музыка и язык – братья близнецы. Фразы и предложения, запятые и точки, вопросы и восклицания есть и в музыке, и в речи. Играющие и поющие лучше говорят и пишут, легче запоминают иностранные слова, быстрее усваивают грамматику. Меломаны-литераторы Тургенев и Стендаль, Пастернак и Лев Толстой, Жан-Жак Руссо и Ромен Роллан – все они знали не один иностранный язык!

Музыка структурна и иерархична: крупные сочинения распадаются на менее крупные части, которые в свою очередь делятся на небольшие темы и фрагменты, состоящие из мелких фраз и мотивов. Стихийное понимание музыкальной иерархии облегчает понимание компьютера, тоже сплошь иерархичного и структурного. Психологи доказали, что маленькие музыканты, ученики знаменитого педагога и философа Шиници Сузуки, не слишком преуспели в развитии музыкального слуха и памяти, но зато обошли своих сверстников по уровню структурного мышления. И не случайно фирма Microsoft предпочитает сотрудников с музыкальным образованием.
Также занятия музыкой приучают «включаться по команде». Музыканты меньше боятся сроков сдачи работы. Ведь нельзя перенести «на завтра» концерт или мероприятие. Выступления на сцене приучает к максимальной готовности «по заказу», что помогает в дальнейшем ребенку не завалить серьезный экзамен или доклад. Сцена приучает вести себя раскованно и непринужденно с людьми, импровизировать на ходу. Это максимальная выдержка и артистизм на всю жизнь. Музыкальные занятия развивают навыки общения – коммуникативные навыки. А артистизм и умение общаться с людьми – это основа многих профессий, например менеджера или коммивояжера.
Музыка приучает одновременно делать несколько дел сразу и ориентироваться в нескольких одновременных процессах. Так, играя по нотам или написанным аккордам с листа, ребенок делает сразу несколько дел – помнит что он уже сыграл (прошлое), думает о том что нужно будет сыграть (будущее) и контролирует то что делает в этот миг (настоящее). Так же как авиадиспетчер, оператор ЭВМ или биржевой брокер следит за несколькими экранами и одновременно слушает и передает информацию по нескольким телефонам. Музыка приучает мыслить и жить в нескольких направлениях.
Да и вообще – играть – это следовать традиции. Музыке учили всех аристократов, русских и европейских. Музицировать – это лоск, блеск и шик, апофеоз светских манер. Дюк Эллингтон начал играть на рояле потому, что вокруг играющего парня всегда собираются девушки. Ну а вокруг играющей девушки!..

Музыканты мягкосердечны и одновременно мужественны. Музыка формирует нравственные качества личности и эстетическое отношение к окружающему, она смягчает нравы, но чтобы в ней преуспеть, надо быть мужественным. Дети, которые занимались музыкой, сочувственны и одновременно терпеливы, и потому чаще готовы подать своим престарелым родителям тот самый «стакан воды».
Немудрено, что музыкальным прошлым отмечены многие знаменитости: Агата Кристи свой первый рассказ написала о том, почему ей так трудно играть на фортепиано на сцене; Кондолиза Райс, напротив, больше всего любит играть на публике в своем ослепительном концертном платье, а Билл Клинтон уверен, что без саксофона никогда не стал бы президентом.


Опыт работы с вокально-инструментальным ансамблем

1. Игра на гитаре

Работая в эстетическом центре гимназии руководителем студии, достигнув определённых результатов, могу поделиться личными впечатлениями, выводами, опытом.
Подросткам свойственно чувство коллективизма, поэтому у них возникает желание выполнять что-либо в группе, в частности, музицировать в ансамбле.
Естественно, прежде чем ученик сможет играть в вокально-инструментальном ансамбле, он должен овладеть основными приемами игры на гитаре. Индивидуальное обучение игре на музыкальных инструментах является основополагающим для исполнения музыкальных произведений в ансамбле, оркестром.
Вообще среди начинающих учиться музыке гитара, пожалуй, самый популярный инструмент. Она есть почти в каждом доме. Ее легко переносить с места на место, она подходит для исполнения практически любой музыки. Гитарный репертуар включает богатейшее классическое наследие, фламенко, джаз, рок, кантри, искусство бардов. Она одинаково уверенно чувствует себя повсюду: на эстраде концертного зала, в студии звукозаписи, в домашнем кругу, у туристского костра.

Возраст начинающих гитаристов 11 – 13 лет. Часто родители, ссылаясь на склонности самого ребенка, приводят в студию обучения игры на гитаре более младших детей. В таких случаях я стараюсь убедить их в целесообразности поначалу разностороннего, комплексного приобщения ребенка к разным видам искусства (танцам, пению, игре на так называемых «элементарных» инструментах, обладающих вполне красивым тембром, но достаточно легких с точки зрения приемов звукоизвлечения). Я стараюсь убедить родителей в том, что гораздо важнее развить чувство ритма и координацию движений, достичь возможного в этом возрасте понимания музыки, чем стремиться рано овладеть игрой на инструменте. К 11 – 12 годам дети уже имеют достаточно развитое чувство ритма, координацию движений, они физически развиты для освоения основных приемов звукоизвлечения.
Я не провожу «приемные экзамены» в студию, на которых, как хорошо известно, якобы проверяется наличие у ребенка музыкального слуха, ритма, памяти. Эти испытания для определения перспективы успешных занятий инструментальной игрой (а на гитаре особенно) на мой взгляд, бесполезны. Только через несколько месяцев занятий можно оценить способности ученика и перспективы его обучения, которые нередко раскрываются в процессе живого творческого общения с музыкой, преподавателем, другими учениками.
На начальном этапе обучения дети занимаются на акустических гитарах, которые чаще всего имеют пропорции классической гитары. На уроки ученики часто приносят свои собственные инструменты из дома.
На первом занятии я рассказываю ученикам немного об истории гитары, о классификации гитар (об акустических и электрических гитарах), об их отличительных особенностях, о музыке, которую исполняют на гитарах различных видов и типов, о музыкальных стилях. Далее происходит знакомство со строением гитары, с ее устройством. Я рассказываю из каких частей и элементов состоит инструмент и об их предназначении, о конструктивных особенностях, а также на что обратить внимание при выборе гитары, как правильно хранить ее дома.
Тут же я рассказываю и о струнах, ведь от вида струн и их качества зависит чистота и красота звука, а также комфортность во время игры, поэтому к выбору струн нужно относиться ответственно. Правильно подобранные струны позволят начинающим музыкантам быстрее овладеть инструментом.

Начинать практические занятия лучше всего с объяснения и демонстрации как правильно сидеть и держать гитару. От правильной посадки зависит правильная постановка рук, их свободное и рациональное движение, устойчивость инструмента, наименьшая утомляемость при занятиях. Правильная посадка – первое важнейшее звено в цепочке необходимых навыков. При классической посадке гитара лежит на левой ноге выемкой в корпусе, при этом нога ставится на специальную подставку. В эстрадных оркестрах гитарист держит инструмент на правой ноге. Выбор учеником посадки зависит от индивидуальных особенностей строения рук и всей физической конституции ученика, от того, как удобнее ему играть.
Освоение инструмента требует большого слухового внимания и свободных согласованных движений. Но часто при выработке первых игровых навыков излишне напрягаются мышцы шеи спины, рук в связи с непривычным положением тела и рук. Нужно научиться расслабляться с помощью различных упражнений, а также после 20 – 30 минут непрерывных занятий желательно делать кратковременный перерыв.
Для музыкального воспитания очень важно привитие ученикам технических навыков и умение преодолевать технические трудности. Поэтому с первых шагов овладения инструментом надо обращать внимание ребенка на формирование правильных, целесообразных движений, на развитие аппарата учащегося.

Первые трудности при работе с начинающими гитаристами связаны с положением пальцев рук. В игре участвуют обе руки, но функции их различны: правая извлекает звук, а левая, в основном, изменяет его высоту. Именно с тренировки правой руки и нужно начинать учиться играть – чтобы не отвлекаться потом на нее при исполнении упражнений с участием обеих рук.
Сначала исполняются упражнения, направленные на тренировку большого пальца правой руки, которые исполняются на 6, 5 и 4 открытых струнах (на басовых струнах), при этом остальные три пальца находятся на соответствующих им струнах (мизинец крайне редко участвует в звукоизвлечении). Скорость исполнения (темп) в начальной стадии должна быть медленной. Лишь убедившись, что все получается хорошо, можно постепенно увеличивать скорость, добиваясь исполнения в нужном темпе. Работать над каждым упражнением необходимо до тех пор, пока не будут достигнуты положительные результаты.
Когда большой палец начнет действовать уверенно, и будет попадать на струны без промахов, можно переходить к поочередной тренировке остальных трех пальцев правой руки.

Я показываю ученикам два основных приема извлечения звука указательным, средним и безымянным пальцами правой руки:
1. «Тирандо» (от итальянского tirando - натягивая) – удар пальца по струнам производится в сторону ладони без опоры на соседнюю струну.
2. «Апояндо» (от испанского apoyando – с опорой, опираясь) – удар по струнам производится с опорой пальца на соседнюю струну.
Сначала звуки извлекаются только указательным пальцем i на третьей струне. Проделав упражнение несколько раз, можно переходить к упражнениям для следующего пальца. Средний палец m извлекает звук на второй струне, безымянный a – на первой струне. Нужно следить за тем, чтобы звуки, извлекаемые разными пальцами на разных струнах, были одинаковой громкости, и ни одна струна не издавала бы дребезжащего звука.
После этого следует соединить действия большого пальца и остальных пальцев правой руки. Надо внимательно следить за положением руки, местом извлечения звуков, за направлением ударов пальцев по струнам.
Все упражнения направлены на чередование пальцев правой руки (со временем комбинации будут усложняться) и это является в игре на гитаре обязательным.
После изучения основных приемов извлечения звука, я показываю еще один – «апогадос». Это прием приглушения струн или прекращения их звучания. Приемом апояндо указательным пальцем «i» воспроизвести звук на первой струне и моментально установить на нее средний палец «m», тем самым, приглушив ее. Затем «m», уже стоящим на этой струне, воспроизвести звук и сразу установить на нее «i».
Приглушать струны в аккордах можно также пальцами левой руки, наложив их на струны, а также ребром ладони правой руки, наложив его на струны у подставки.

В момент игры взгляд исполнителя всегда обращен только на левую руку. В связи с этим надо уделить особое внимание упражнениям для развития пальцев правой руки и проигрывать их до тех пор, пока не появится умение безошибочно извлекать нужные звуки без зрительного контроля.
Работа над звуком и над музыкальными фразами является важным моментом в занятиях с начинающими. Требуя от ученика полного и мягкого звучания, я не только рассказываю, как добиться качественного звучания, но и неоднократно показывать это на инструменте, чтобы ребенок мог услышать и представить требуемое звучание.
Обычно это удается ученику не сразу, так как перед ним одновременно возникает много задач: слушать, чтобы звук был красивым, чтобы руки была правильно организованы, следить, чтобы пальцы были раскругленными и не прогибались в суставах. При этом у многих учеников движения оказываются скованными. В таких случаях полезно на первых же уроках заниматься упражнениями, направленными на расслабление мышц шеи, спины, рук.
Одним из важнейших является вопрос о том, как с самого начала обучения добиться планомерных, систематических занятий ученика на инструменте. Здесь я провожу воспитательную работу, необходимую для того, чтобы ученик понял бесперспективность намерения овладеть игрой на инструменте, обходясь только посещением уроков в школе и не занимаясь дома. Иными словами, приходится преодолевать стереотип учения в общеобразовательной школе, где дети готовят домашнее задание лишь накануне предстоящего урока, независимо от того, когда состоялся урок предшествующий.

Очень важно развить в учениках, особенно в начинающих, навыки самостоятельной работы, инициативы, стараться пробудить в нем интерес к занятиям и творческую активность. Под самостоятельностью имеется в виду умение применять в своей домашней работе полученные на уроках знания и навыки, творчески подходя к решению поставленных задач. Чтобы самостоятельная работа была продуктивна, она должна быть по силам учащемуся, и в то же время достаточно трудна. Непосильные задания могут вызвать у ребенка потерю уверенности в своих силах, так как все прилагаемые старания не приведут к достижению поставленной цели. С другой стороны, выполнение слишком легких заданий не развивает в достаточной степени способностей ученика, так как ему не приходится серьезно работать.
Важно также приучить начинающего гитариста слушать себя. Для этого необходимо чаще контролировать его внимание. С этой целью хорошо прибегнуть к приему повторения, попросить его сыграть несколько раз одно и то же произведение или его отрывок, чтобы заметить, когда оно лучше прозвучало.

Первое время детей это затрудняет из-за отсутствия навыка слушать себя. В таком случае я сам проигрываю данный отрывок, несколько преувеличивая те или иные дефекты исполнения ученика.
Пальцы левой руки - указательный, средний, безымянный и мизинец используются для прижатия струн на ладах, а большой палец находится под грифом и создает опору для пальцев, прижимающих струны.
Пальцы должны быть округлыми, а прижатие струн осуществляется кончиками (подушечками) пальцев, которые ставятся на струны перпендикулярно плоскости грифа. Струну следует прижимать около лада (но не на самом ладу, а перед ним). Необходимо следить, чтобы при прижатии струн не возникало излишнего напряжения руки или отдельных пальцев, надо экономно расходовать силу руки и пальцев. Сила нажима пальцев должна соизмеряться с чистотой звучания струн. Неоправданная нагрузка на руку или на какой-либо палец ограничивает подвижность пальцев и вызывает преждевременное переутомление руки. Слишком слабое давление пальцев приглушает звучание струн. Также следует обратить внимание на локоть левой руки, который должен свободно и естественно висеть. Его не следует как прижимать к себе, так и отставлять в сторону.
Первые ощущения, которые появляются у каждого начинающего гитариста после занятия – боль в кончиках пальцев левой руки. Но у каждого инструмента своя специфика: трубачу нужны развитые мышцы лица, а гитаристу – мозоли на кончиках пальцев. Прежде чем они появятся, пройдет несколько недель, а то и месяцев. Но если сделать перерыв в занятиях, они могут сойти и довольно быстро.

Очень полезны упражнения на перестановку пальцев в аккордах. Играть их нужно в одном темпе. Чтобы научиться быстро переходить с аккорда на аккорд, надо внимательно изучить положение пальцев (аппликатуру) двух сменяющихся аккордов. Начинать строить аккорд следует с самой низкой его ноты – баса, так как, сыграв бас, легче достроить остальные ноты аккорда и уложиться в ритм.
Лучше всего взять последовательность аккордов какой-либо песни, известной ученику. Аккорды должны быть простыми, с открытыми басами, которые при игре не прижимаются пальцами к грифу. Это первоначальный минимум аккордов для приобретения элементарных навыков аккомпанемента.

Здесь встречается буквенно–цифровое обозначение аккордов. Оно состоит из большой буквы обозначающей основной тон, и буквенного или цифрового символа, указывающего на вид аккорда.
Например:
А – ля-мажорный аккорд;
Am – ля-минорный аккорд;
А7 - доминантсептаккорд, иначе называемый просто септаккордом.
Если аккорд берется на гитаре с другим басом это обозначается Am/C (ля минорный аккорд с басом до).
Разучивая аккорды нужно добиться чистого звучания каждой ноты аккорда. Важно изучать аккорды не изолированно, а в связи друг с другом, то есть изучать так называемые гармонические последовательности. Различным песням соответствует определенное количество аккордовых последовательностей. Одна и та же последовательность аккордов может составить основу аккомпанемента ко многим мелодиям.
Основные виды аккомпанемента – «перебор» и «бой». При переборе струны гитары звучат по очереди, они «перебираются», отсюда и название этого вида аккомпанемента. Все упражнения для развития пальцев правой руки играются переборами.
Бой – это одновременный удар по всем или нескольким струнам, который производится сверху вниз (или снизу вверх) или чередуя направления. Удар может наноситься как одним, так и несколькими пальцами.
Аккомпанемент должен соответствовать духу песни. В энергичных, быстрых песнях чаще используется бой, в лирических, медленных – перебор. Выбор фактуры аккомпанемента зависит от музыкального жанра, от стиля, тактового размера.
После разучивания основных видов аккомпанемента, его можно усложнить с помощью дополнительных басов, разнообразных ритмических рисунков и усложнения указанных в партии аккордов. Для этого нужно знать, как сыграть одни и те же аккорды в различных позициях. Иногда перед аккордом, указанным в партии, можно дополнительно сыграть такой же аккорд, но расположенный на полтона выше или ниже основного.
Аккомпанемент должен исполняться ритмично, то есть в каком-то ритме. И здесь я объясняю, что такое ритм, как научиться высчитывать длительность нот. Чтобы доступнее объяснить материал, я играю мелодии и песни в различных ритмах, показываю типичные ритмические рисунки. Чтобы запомнить ритмический рисунок конкретной партии аккомпанемента, он повторяется несколько раз, начиная в медленном темпе, и постепенно ускоряется.

Темп - это скорость движения музыки, скорость исполнения.
В ритмическом рисунке большое значение имеют акценты – деление ударений на отдельном звуке или аккорде, которые бывают различной силы и обозначаются специальными значками. Музыкальное выделение звука или аккорда достигается за счет его динамического усиления, либо ритмического удлинения, смены гармонии, тембра и т. д.
Одним из важнейших условий выразительного исполнения музыки является динамика – это звуковые явления, регулирующие силу звука и громкость. Изменение силы звучания при исполнении музыкального произведения называется динамическими оттенками или нюансами. Динамика зависит от силы защипывания струн пальцами. По силе звучания гитара не может соперничать например с фортепиано, но в своих звуковых пределах (или же при озвучивании гитары при помощи звукоусилительной аппаратуры) она может достаточно ясно передавать любую динамику музыкального произведения.
Один из основных приемов в гитарной технике, над которым мучаются почти все начинающие гитаристы – баррэ. Это прием, заключающийся в том, что указательный палец левой руки прижимает на одном ладу одновременно несколько струн. При большом баррэ прижимаются пять или шесть струн, при малом баррэ – три или четыре струны. Начинающие гитаристы считают баррэ сложным приемом, потому что левая рука у них еще недостаточно сильна. Да, верно, этот прием довольно трудный, но качество его исполнения зависит не столько от силы, сколько от умения и практики. Всегда нужно следить, чтобы сгиб фаланги пальца не попадал на струну (так как в этом случае звук получается глухим), а оказывался между третьей и четвертой струной. Важно найти верное положение пальца, чтобы все ноты звучали звонко даже тогда, кода струна зажимается без особых усилий.
Приемом баррэ нужно овладеть в совершенстве, так как этот прием игры применяется очень часто. Его нужно осваивать постепенно и с осторожностью, чтобы не переутомлять руку. Нужно систематически тренировать пальцы, чтобы при прижатии всех струн (большое баррэ) указательный палец не испытывал трудностей, а остальные пальцы не ощущали скованности и могли легко поочередно прижать любую струну на трех соседних ладах.
Также дети знакомятся и с другими техническими приемами игры – легато (играть слитно, плавно), нон легато (звуки исполняются и не связно и не отрывисто), стаккато (звуки играются еще более отрывисто, чем при нон легато), глиссандо или слайд (скользящий переход от звука к звуку), вибрато (небольшое колебание высоты звука для придания большей выразительности). Все эти приемы демонстрируются на примере как уже выученных произведений, так и на примере новых.
В гитарном исполнительстве, как и во всех остальных видах музыкально – исполнительского искусства, нужно, прежде всего, стремиться к культуре исполнения, к выявлению художественной содержательности исполняемого произведения, к качественному звучанию и, конечно же, к свободной, развитой технике. То есть, иначе говоря, ко всему тому, из чего складывается цельное музыкально-художественное впечатление, очаровывающее и захватывающее слушателя.

Гитара отличается от других инструментов (фортепиано, баян, аккордеон и других) тем, что на этих инструментах одна нота строго берется в одном и том же месте клавиатуры. На гитаре же одна и та же нота может быть сыграна в нескольких разных местах. Например: нота ми второй октавы может быть исполнена на 1 открытой струне, на 2 струне на V ладу, на 3 струне на IX ладу, на 4 струне на XIV ладу и т.д. Поэтому кроме нотной записи для гитары широко применяется безнотный способ записи гитарной музыки – табулатура. Этот способ записи еще более древний, чем нотный, с его помощью записывали в Европе инструментальную музыку еще в XIV столетии. Он представляет собой шесть горизонтальных линий, по количеству струн (первая вверху, шестая внизу). Арабские цифры, записанные на той или иной линии (струне), показывают лад, на котором играется нота, аккорд или интервал (0 обозначает открытую струну), вертикальные линии отделяют такты, как и в нотной записи, длительность обозначается, как и в нотах. Табулатура позволяет скорее усвоить азы игры. Однако, приучив себя к игре по табулатуре как по шпаргалке, ученик может оказаться в затруднении перед нотами без всяких подсказок и комментариев. Так что ноты на грифе тоже нужно учить и играть как можно больше с листа.
Очень часто ученики, освоившие технику, начинают играть песни из различных песенников. Но в этих сборниках часто встречаются мелодии, написанные в неудобных для голоса тональностях. В таких случаях возможен перевод песни из одной тональности в другую, который называется транспонированием или транспозицией. Суть транспонирования мелодии заключается в перенесении каждого звука темы и аккордов песни вверх или вниз на определенный интервал. При этом можно пользоваться специальной таблицей.

У большинства людей, достигнувших определенных результатов, возникает желание достичь нового уровня. При общении друг с другом, у учеников возникает соревновательный дух. Логично в этот момент предложить следующую стадию освоения инструмента, коей является сольная игра. Я объясняю и показываю ученикам основные принципы сольной игры. Ученики разучивают сольную партию какой – либо известной мелодии, а также ее гармонию и аккомпанемент. Далее они исполняют мелодию на два инструмента: один из них исполняет сольную партию, а другой аккомпанирует. Затем они меняются ролями. В последствии партии усложняются, и ученики выходят на новый уровень исполнительства.
Таким образом, ученики получают первые навыки коллективной игры, игры в ансамбле. Как дальнейшее развитие естественно возникает переход к группе инструментов, иными словами, ансамблю.

2. Игра в ансамбле

Ансамбль - музыкальный коллектив, деятельностью которого является творческий процесс вокально-инструментального исполнительства, организованный творческими целями и задачами.
Методика работы с детьми в вокально-инструментальном ансамбле имеет целый ряд особенностей: психофизиологических, педагогических и музыкально- эстетических.
Навыками коллективной игры могут успешно овладевать учащиеся, которые уже усвоили основные приемы игры на гитаре. На первоначальном этапе обучения, еще не занимаясь с учеником непосредственно ансамблем, я уделяю внимание привитию навыков ансамблевой игры. Это выражается, например, в совместном проигрывании музыкального материала.
Первое с чего начинается работа ансамбля – это подбор участников художественного коллектива. Ансамбль обязательно предполагает художественную согласованность и общность эстетических намерений его участников. Поэтому каждый ансамбль комплектуется из учащихся, близко стоящих друг к другу по характеру, вкусам, интересам, уровню развития и по степени овладения музыкальным инструментом. При подборе участников ансамбля приходится тщательно продумывать партии, чтобы они соответствовали исполнительским возможностям учащихся.
Моя задача как руководителя - это творческое развитие школьников средствами музыки. Прежде всего, обучаясь, учащиеся развивают специальные способности - мышление, внимание, музыкальную память, слух, чувство ритма, чтение по нотам и по табулатуре, технику, эмоциональность, творчество. Также развиваются навыки ансамблевой игры, воспитание чувства ансамбля, расширяется музыкальный кругозор, формируются навыки творческой установки.
Творческая деятельность на уроках представляет собой единую систему, где дети выполняют задание, используя различные средства выразительности. В процессе выполнения задания ученик проходит путь от восприятия к пониманию своего исполнения. От понимания и сопереживания к художественному сотрудничеству. От сотрудничества к самостоятельному творчеству.
И на этой основе (в процессе деятельности) должна формироваться потребность в самостоятельном художественно - творческом труде.
Главный принцип работы - дети должны любить музыку, которую исполняют.
В своей работе я использую три основных принципа:
1) Заинтересованный деятельный подход к музыкальному воспитанию.
2) Целостность теоретической и практической деятельности детей.
3)Формирование навыков самостоятельной работы на музыкальных инструментах и работы над вокалом.
В состав ансамбля входят следующие музыкальные инструменты: ритм-гитара, соло-гитара, бас-гитара, синтезатор, ударные инструменты.

Процесс работы ансамбля над произведением можно условно разделить на три этапа:
1) Знакомство ансамбля с произведением.
2) Техническое освоение выразительных средств.
3) Работа над воплощением художественного образа произведения.
Задачей первого этапа является создание у участников ансамбля общего впечатления от произведения в целом. Произведение показывается целиком или в записи. Здесь происходит обсуждение содержания произведения, определяется образ, эмоциональность, характер, форма произведения, тональность, выявляются главные и побочные темы.
Также ученики знакомятся каждый со своей партией, я предупреждаю их о трудностях, с которыми им предстоит встретиться и сообщаю о путях их преодоления.
На первом этапе работы, как правило, применяется форма индивидуального урока.
При разучивании партий произведения не нужно спешить - критерий не количество выученного, а качество. Нужно медленно проигрывать произведение, останавливаться на трудных местах, вникать в текст, в его ритмические, звуковысотные, динамические и другие особенности. Проигрывать текст произведения следует неоднократно, повторение выученного – это фундамент для последующей работы и получение удовольствия от процесса исполнения.
Во время работы необходимо знать цель, не разбрасываться по мелочам и не пытаться решать все задачи сразу. При работе на этом этапе я не только занимаюсь решением конкретных проблем, связанных с разучиванием произведения, но и закладываю предпосылки для будущего этапа работы.
Важным моментом в работе с ансамблем является умение обучать детей элементарной грамоте, так как без основных правил музыкальной грамоты невозможно вести работу с ансамблем. Я не останавливаюсь на методике знакомства детей с азами нотной грамоты, я стараюсь доходчиво и понятно объяснять ребенку ритмическую организацию звуков, особенности нотной записи, табулатуры, строение мажора, минора и т.д. При этом я стараюсь, чтобы структура подачи музыкального материала была проста и лаконична.
В ансамбле ученики играют уже не только на акустических, но и на электрогитарах. Техника игры на электрогитаре имеет некоторые отличия от техники игры на акустической гитаре (более широкое использование игры в позициях, исполнение на соло-гитаре бэндов - «подтяжкек», особенности игры на бас-гитаре и т.д.)
После предварительного ознакомления учеников с партиями, можно устроить первое проигрывание всем составом ансамбля всего произведения в целом, для повышения внимания учащихся на данном этапе.
На втором этапе работы происходит преодоление ансамблем технических трудностей. Раскрытие содержания требует от участников ансамбля овладения всеми элементами техники исполнения. Поэтому работа над техникой связывается с художественными задачами и постепенно становится все более осмысленной и увлекательной. На этом этапе проводится работа над ансамблем группами и всем коллективом, а также и индивидуальные занятия с отдельными исполнителями. Происходит работа по фразам, предложениям, частям, работа над динамикой.

Путь от первого этапа ко второму – это путь от общего знакомства к отработке частных технических трудностей. И эта работа является синтезом всей предыдущей работы. Здесь происходит слияние отдельных элементов в крупные части, которые в свою очередь объединяются в законченное произведение.
На заключительном этапе работы над произведением будет уже неуместным применение формы индивидуального урока. Основной формой занятий здесь являются репетиция всего ансамбля. Проведение репетиции всегда связано с многократным повторением отдельных мест произведения, однако не должно быть ни одного механического повторения без ясно поставленной цели.
Участники ансамбля должны всегда четко знать, для чего повторяется та или иная часть произведения, чего я хочу от них добиться. Ясно поставленная цель каждого повторения делает работу учащихся осмысленной. В течение всего процесса работы над художественным произведением ансамбль должен знать, что результат проделанной работы будет вынесен за стены класса и завершится публичным выступлением.
Говоря об ансамбле как о качестве исполнения, это понятие подразделяется на ансамбль динамический и ансамбль ритмический. Динамический ансамбль предполагает достижение в коллективе равновесия силы звучности каждой партии. В музыке редко можно встретиться с примерами одинаковой силы звучности мелодических и аккомпанирующих голосов. Обычно под ровностью звучания партии ансамбля подразумевается известное соотношение силы звука в мелодии и сопровождении. Как бы ни были важны подголоски, гармония или бас, они лишь дополняют мелодическую мысль. Но не следует и слишком сильно выделять мелодию: такое нарушение равновесия голосов граничит с искажением авторского текста, так как отдельные голоса заглушаются мелодией, пропадают.

Полноценность звучания мелодии во многом зависит от манеры исполнения аккомпанемента. Исполнители аккомпанирующих партий должны хорошо слышать мелодию и сопровождать ее в полном соответствии с характером и фразировкой. Аккомпанемент не может быть безразличным к движению мелодии.
Часто в ансамбле участники стараются «перекричать» друг друга, с тем чтобы выделить кажущийся им важнейшим свой голос. Или напротив, выделяется один голос, а звучание остальных превращается в аккомпанемент, имеющий вялый, пассивный характер. В таких случаях особенно важно суметь определить значение и место каждого голоса, а также их динамическую связь. Басовый голос в ансамбле, как правило, должен звучать тише мелодического, но в то же время громче средних голосов, создавая как бы фундамент для всего звучания, расположенного над ним.
Очень важно при организации работы ансамбля чтобы проведение занятий шло в установленном порядке по плану работы. Это играет не только важную роль в проведении репетиций, но и влияет на качество выучивания произведений, на его художественную ценность. Отсюда следует обязательное соблюдение педагогических принципов в изучении репертуара. Нужно глубоко знать тот материал, который составляет репертуар исполнительского коллектива, тщательно изучить произведение, входящее в учебную работу ансамбля.
Игровая дисциплина в ансамбле во время занятий играет важную роль. От руководителя и участников ансамбля требуется собранность, внимание. В идеальном смысле желательна дисциплина, при которой каждый участник сознательно понимал сложность коллективной работы и делал все возможное для ее поддержания.
Педагогический опыт показывает, что авторитарность как форма воздействия на детей во время репетиций, никогда не уживалась с творчеством. Нужно быть активным, требовательным и творчески увлеченным, но чувствовать рубеж, где кончается профессиональная требовательность и начинается авторитарность старшего по возрасту.
Занятия ансамбля должны быть обеспечены четким графиком, своевременным (без задержек) началом занятий, наличием репертуара. Важно определить репетиционный темп работы. Он должен быть не слишком быстрым, но и не слишком медленным. При изучении подвижных произведений нужно осторожно и продуманно решать задачу постепенного ускорения темпа. Использовать в своей работе всевозможные формы обучения, в том числе игровые. Важно выдержать такую обстановку, при которой интересно было работать.

Первое выступление на сцене обычно происходит примерно через полтора года после начала обучения в студии, когда учащиеся начинают принимать участие во внутришкольных мероприятиях в отдельных номерах, после чего производится подробный анализ выступления с использованием аудио- и видеозаписей. Факт концертного выступления предполагает высокое развитие таких качеств личности, как надежность в концертном выступлении и артистизм. Понятно, что, как правило, на первом выступлении исполнители ведут себя скованно, обращая внимание в основном на то, чтобы не допустить ошибок в тексте произведения.
По мере приобретения опыта и расширения репертуара они отыгрывают тематические блоки и участвуют в более ответственных концертах. Так же производится анализ выступления, обращая внимание на манеру и стиль исполнения. Так же даются рекомендации по сценическому поведению и движению.
Затем они получают возможность участвовать в различного рода конкурсах. Здесь уже внимание обращается на качество звукоизвлечения, нюансы игры и характер исполнения произведения, а также предлагаются советы по особенностям и тактике конкурсного выступления.
И как высшая ступень – персональный концерт ансамбля. Здесь уже исполнители (уже достаточно владеющие инструментом и имеющие свои музыкальные предпочтения) выступают в роли носителей определенной музыкальной культуры и вкуса.
_________________________
© Климчинский Павел Валерьевич